Jean-Baptiste Maitre

Short bio

Based in Amsterdam, Paris, and Cairo, Jean-Baptiste Maitre (b. 1978, France) is an artist whose practice centers on painting while expanding into animation, digitally constructed photography, and ceramics. His work sits at the intersection of Image Theory and Craft, in reaction to the post-digital condition.

In his recent painting series, Painting as Makeup, Maitre reinterprets ancient painted busts to explore the construction of contemporary identity. This inquiry follows his earlier series, The Telephone is Killing the Cosmos, which examines the intersection of digital technology and traditional still-life techniques.
Maitre’s exploration of media extends to his animated films, which dissect cinematic mechanics and reinterpret modern art through the lens of historical events.
In his ceramic work, he reinvents neon signage to question the influence of media and the nature of memory.

Maitre was educated in Paris in Fine art (ENSBA), Archeology (Michelet-sorbonne Paris-4) and Photography (Gobelins L'ecole de l'Image). In the Netherlands Maitre has participated in prestigious residencies (Rijksakademie, Jan van Eyck Academie), and in Italy at the American Academy in Rome. Maitre has exhibited internationally, with works in major institutional collections (Stedelijkmuseum, Centre Pompidou, Philara Museum, etc.).

Français

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Biographie

Jean-Baptiste Maitre (1978, Fr) travaille entre Amsterdam, Paris et Le Caire. Sa pratique utilise le film d’animation, la photographie numérique, la peinture et la céramique. Son travail se situe entre théorie de l'image et praxis artisanale, comme une réponse à la condition post-digitale.

Sa récente série, Painting as Makeup, revisite des bustes antiques et des masques de théâtre, qui explore la construction contemporaine des identités, tandis que sa précédente série The Telephone is Killing the Cosmos interroge la nature morte à travers des techniques hybrides.

Ses films d’animation analysent les mécanismes du cinéma et réinterprètent l’art moderne, tandis que ses œuvres en céramique réinventent l’enseigne néon pour questionner la mémoire et l’influence médiatique.

Formé à Paris (ENSB-A, Gobelins, Sorbonne Paris-4) et aux Pays-Bas, ayant participé à des résidences de renom (Jan van Eyck Academie, Rijksakademie, American Academy in Rome), il expose à l’international, et ses œuvres font partie d’importantes collections institutionnelles (Stedelijkmuseum, Centre Pompidou, Philara Museum, etc.). Il est représenté par les galeries Martin van Zomeren à Amsterdam et Rita Urso à Milan.

Long Biography

Jean-Baptiste Maitre (b. 1978) is a multidisciplinary artist, primarily a painter. He works across animation film, digitally constructed photography, painting, and ceramics.His last painting series explores the relevance of the painting medium today while examining the theatricality of modern life, from social media personas to performed identities. His current project uses the genre of history painting to tackle recent historical mediatic events with personal narrative.

Painting His recent series, "Lower Your Voice in the Room of Unlikeness (Painting as Makeup)", brings together paintings exploring identity, theatricality, and the act of self-construction. Drawing from sources ranging from Saint Augustine's idea of unlikness to Manet's brushwork, from antique busts which lost their painted colors to online personas digitally modifying their facial appearance, Maitre examines how faces reflect systems of representation—cosmetic, political, and pictorial—revealing the ways we stage and remake ourselves through images.

His 2018 painting series "The Telephone is Killing the Cosmos" examines still life through a combination of digital and traditional techniques. By integrating scanning and printing with hand painting, the works explore how pictorial gestures, typically associated with human touch, can be replicated by digital vision, resulting in still lifes that raise questions about perception, and the interpretation of feelings.

Film His animated films examine the mechanics of cinema while crafting fragmented narratives inspired by modern events, whether drawn from the media or post-war art history. His videos spans a wide range of subjects, from episodes of the 2003 invasion of Iraq ( The Magic Vase) and comic strips from The New Yorker Magazine (Jokes), to cinematic reinterpretations of modern art. His weaving film series aim at translating into cinematic language the paintings by Hannah Hoch (Mandala Republique), Frank Stella (Shaped Cinema), Sol LeWitt (Camera Movements Following Circles And Arcs) Richard Aniuskewicz (RAIN CUHZASRK DIEWICZ) and sculptures by Robert Morris (Three L). He also experiments with site-specific video, such as envisioning an exhibition that does not exist (Sculptures at the Bonnefantenmuseum ).

Ceramics His ceramic works reinvent the neon sign, an art form that emerged in the 1960s and has since evolved into a widely recognized artistic trope.The phrases he selects for these ceramic neon signs come from diverse sources: cut-up text merging social media posts, interviews with tech CEOs warning of social media's psychological impact. He also uses recollections of iconic neon artworks by Joseph Kosuth, Bruce Nauman, and others, which he attempts to recreate from memory. One piece reconstructs a fragmented memory of a Dan Flavin work ("Dan Flavining Around"), while another references his cinematic project ("20 Men with 20 Vases"). Across these works, he explores the idea of the petrified thought—a neon sign that imitates the glow of neon light but remains unlit, existing solely as a representation of illumination.

Education Maitre received his degrees in Art History (Paris-Sorbonne University) and Fine Arts (Ecole des Beaux-Arts Paris) as well as in Studio Photography (Gobelins Ecole de l’Image, Paris). He was a researcher at the Jan van Eyck Academie in Maastricht and at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam. Maitre was an artist in residence at PiST Istanbul, The American Academy in Rome, Rose Residency Museo d'Arte Moderna di Bologna, Via Farini in Milan, Lo Schermo dell Arte Visio program in Florence.

Exhibitions and Collections Maitre has exhibited at P//////AKT platform for contemporary art (Amsterdam); Galerie 1M3 (Lausanne); Centre d’Art La Salle de Bains (Lyon); Wattis Institute for Contemporary Arts (San Francisco); Bonnefantenmuseum (Maastricht); Centre Pompidou (Paris); Eye Film Museum (Amsterdam); Museo d’Arte Moderna di Bologna (IT); De Nederlandsche Bank (NL); Live in Your HEAD (Geneve).

His works is part of the collections of the Stedelijk museum Amsterdam, the Centre Pompidou in Paris, Museo d’Arte Moderna in Bologna, Sammlung Philara in Düsseldorf, as well as the Dutch Central Bank and ABN AMRO Bank collections, A&O Shearman among others.

He is currently actively developing works on Egyptian Blue with his partner the Egyptian-French artist Dina Danish.

Maitre is represented by Martin van Zomeren in Amsterdam and Rita Urso in Milan.

Bio détaillée

Jean-Baptiste Maitre (né en 1978) travaille à travers le film d’animation, la photographie construite numériquement, la peinture et la céramique. Sa série de peintures actuelle explore la pertinence de la peinture aujourd’hui tout en interrogeant la théâtralité de la vie moderne, qu’il s’agisse des identités mises en scène sur les réseaux sociaux ou des rôles que nous jouons en société. Son projet actuel reprend le genre de la peinture d'histoire mêlant evenements historiques et recits personnels.

Peinture Son travail récent s'inspire des bustes archéologiques exposés dans les musées. Autrefois peints, ces sculptures ont perdu leurs couleurs au fil du temps. Maitre considère ces figures effacées comme un point de départ pour la création de personnages théâtraux incarnant des rôles sociaux archétypaux contemporains. Dans Sa récente série, « Silence dans le Salon de la Dissemblance (Peinture Makeup) », Maitre réunit des peintures qui explorent l’identité, la mise en scène de soi et le façonnage des apparences. Puisant dans des sources allant de Saint-Augustin et son concept de « dissemblance » aux portraits de Manet, des bustes antiques ayant perdu leurs couleurs d’origine à la modification des visages par filtres numeriques sur les réseaux, Maitre interroge la manière dont les visages reflètent des systèmes de représentation — cosmétiques, politiques et picturaux — qui influencent la manière de se montrer, et de manipuler l'image de Soi.

Sa série de 2018, "The Telephone is Killing the Cosmos", revisite la nature morte en combinant techniques numériques et traditionnelles. En intégrant le scan et l’impression inkjet à la technique de peinture traditionelle, ces œuvres explorent la manière dont les gestes picturaux, habituellement associés au toucher humain, peuvent être reproduits par la vision numérique, soulevant ainsi des questions sur la perception et l’interprétation des émotions.

Film Ses films d’animation explorent les mécanismes du cinéma en construisant des récits fragmentés inspirés d’événements contemporains, issus aussi bien des médias que de l’histoire de l’art d’après-guerre. Ses vidéos couvrent un large éventail de sujets, allant d’épisodes de l’invasion de l’Irak en 2003 (The Magic Vase) et de bandes dessinées du New Yorker (Jokes) à des réinterprétations cinématographiques de l’art moderne. Sa série de films cherche à traduire en langage cinématographique les peintures de Hannah Höch (Mandala République), Frank Stella (Shaped Cinema), Sol LeWitt (Camera Movements Following Circles and Arcs), Richard Anuszkiewicz (RAIN CUHZASRK DIEWICZ), ainsi que les sculptures de Robert Morris (Three L). Il expérimente également avec la vidéo in situ, imaginant par exemple une exposition qui n’existe pas (Sculptures at the Bonnefantenmuseum).

Céramique Ses œuvres en céramique réinventent l’enseigne au néon, un médium artistique apparu dans les années 1960 et devenu depuis un motif largement répandu. Les textes de ces néons en céramique proviennent de diverses sources : des fragments de textes issus des réseaux sociaux, des interviews de PDG du secteur technologique alertant sur les dangers psychologiques des médias sociaux, mais aussi des souvenirs d’œuvres emblématiques de Joseph Kosuth, Bruce Nauman et d’autres artistes qu’il tente de recréer de mémoire. Par exemple, une pièce reconstitue un souvenir fragmenté d’une œuvre de Dan Flavin (Dan Flavining Around), tandis qu’une autre fait référence à ses films d'animation (20 Men with 20 Vases). À travers ces œuvres, il explore l’idée de la pensée morte—une enseigne néon qui imite la lumière, mais qui reste éteinte, existant uniquement comme une représentation de l’illumination.

Formation et résidences  Jean-Baptiste Maitre est diplômé en histoire de l’art (Université Paris-Sorbonne) et en arts plastiques (École des Beaux-Arts de Paris), ainsi qu’en photographie de studio (Gobelins, École de l’Image, Paris). Il a été chercheur à la Jan van Eyck Academie de Maastricht et à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten d’Amsterdam. Il a également été artiste en résidence à PiST (Istanbul), à l’American Academy in Rome, au Museo d'Arte Moderna di Bologna (Rose Residency), à Via Farini (Milan) et au programme Lo Schermo dell’Arte Visio (Florence).

Expositions et collections  Ses œuvres ont été exposées au P//////AKT (Amsterdam), à la Galerie 1M3 (Lausanne), au Centre d’Art La Salle de Bains (Lyon), au Wattis Institute for Contemporary Arts (San Francisco), au Bonnefantenmuseum (Maastricht), au Centre Pompidou (Paris), à l’Eye Film Museum (Amsterdam), au Museo d’Arte Moderna di Bologna, ainsi qu’à De Nederlandsche Bank (Pays-Bas) et Live in Your HEAD (Genève).

Ses œuvres font partie des collections du Stedelijk Museum (Amsterdam), du Centre Pompidou (Paris), du Museo d’Arte Moderna di Bologna, de la Sammlung Philara (Düsseldorf), ainsi que des collections de la Banque centrale néerlandaise et de la ABN AMRO Bank.

Jean-Baptiste Maitre est représenté par Martin van Zomeren (Amsterdam) et Rita Urso (Milan).

Artist statement
Since the beginning of my artistic career, I have used digital photomontage as a core methodology, adopting the logic of my original training as an advertising retoucher (that is, merging and modifying images to construct a complex photographic reality) as a guiding principle for the past 25 years. informed by Rosalind Krauss’s theories on the post-medium condition, I use medium translation and process invention, integrating elements of one technique into another, to conceptually explore my subjects, motivated by how the final visual result might reveal something new about the topic at hand. With this process I reflect on subjects such as major 21st-century global events, like the Iraq wars, , how to continue the genre of history painting, and how to make personal my art history education. Simultaneously, I also use contemporary mediatic images such as journalistic and cinema imagery in order to reflect on the topic they carry, emotions, and ideology. I want to examine our shifting relationship to images as technology evolves from early-2000s Photoshop to current AI developments, questioning the ongoing role of analog materials in a digital age.

How you view your practice in relation to ‘knowledge, how does it generate knowledge for you as an artist and for the public?

For me, artistic practice is a way to think with forms rather than with words. Art forms are a distinct language; when you use them, you begin to think and reflect on the subject you are trying to identify, making it clearer to yourself.
Often, the projects I work on are about measuring the difference between what you imagine the final result will be, which rarely happens exactly as planned, and the actual realization. In that gap lies a new kind of knowledge for me as an artist. It is a process of discovering things you hadn't anticipated during all the steps of making the project: seeing how a shape reacts, how a process delivers, and deciding exactly where to stop the work once you have reached a step further in your thinking about the subject you are trying to identify.

What are your main research questions within your practice, what do you question, and how do you investigate this?

In my practice, I question whether it is possible to see further through the process of medium translation. I want to explore whether an artwork is strictly bound to its medium or not—if it can expand both conceptually and formally into another medium, and what specific processes of translation can be used to achieve this. I think of a medium as specific analog materials and the thought process that comes with it.

My technical background is in digital retouching and photomontage, which I have used both for my art and in advertising as a senior post-producer for brands. My original motivation was to master the craft of creating a "photographic truth" based on my reflections about an idea, treating it as a sort of hyper-realistic philosophical painting. Instead of relying on symbolism or illustration, I use the montage process itself to identify the thoughts I navigate while working, choosing what remains in the final photograph as a visual trace of my intention to reflect on that specific subject.

In my work, I am motivated to question the information I receive, whether from my education in art or from my daily life as a media consumer. I look back at the history that I have experienced in one way or another, sometimes the collective history that everyone else has experienced, like the September 11, 2001 attacks and the Iraq wars that followed, and sometimes the more singular experience of a media consumer behind a phone screen, like encountering the first public AI tools (such as ThisPersonDoesNotExist.com). By occasionally mixing together the very processes that led me to investigate these subjects, I aim to identify a possible new narrative.

As a medium, photography became extremely exhausted in the 2010s when everyone gained access to powerful phones and software, and now AI has prompted me to translate photography, and its underlying thought method, into other mediums.
I first approached this quite directly by trying to remember images of other artists' artworks and remaking them into ceramics, marking my first medium translation from photography to ceramics. I translated what I remembered of Dan Flavin’s sculptures into ceramic versions, and Joseph Kosuth’s neon sentences into glazed ceramic signs. My motivation was to personally reacquaint myself with the work of these artists, which had become so heavily reproduced that it was hard to see them in a fresh way, allowing me to understand them better.

This medium translation proved to be an effective process for me to tackle both forms and subjects. Since my photomontage logic was already based on taking existing photographs from image banks and remaking something new out of them while reflecting on the final outcome, I realized I could apply this same logic to a variety of other subjects and mediums to critically reflect upon them.

Now I navigate between traditional oil painting to tackle AI image making, or social media filters, I navigate between the logic of analog film editing and make paintings with it, or I think about structural painting systems with cyanotype prints. I inject different topics into these processes that I invent to reflect on them.

Artist Statement en Français

Depuis le début de ma carrière, j'utilise le photomontage numérique comme méthode centrale. J'ai adopté comme principe directeur la logique de ma formation initiale de retoucheur publicitaire (c'est-à-dire fusionner et modifier des images pour construire une réalité photographique complexe), une approche que je poursuis depuis 25 ans. Nourri par les théories de Rosalind Krauss sur la condition post-médium, je m'appuie sur la traduction de médium et l'invention de procédés . En intégrant les éléments d'une technique dans une autre, j'explore conceptuellement mes sujets, guidé par la manière dont le résultat visuel final peut révéler un éclairage nouveau sur un sujet donné.

Par ce procédé, je mène une réflexion sur des sujet tel que les grands événements mondiaux du XXIe siècle (notamment les guerres d'Irak), la pertinence de la peinture d'histoire, ou encore la réappropriation personnelle de mon enseignement en histoire de l'art. En parallèle, j'utilise des images médiatiques contemporaines (issues du journalisme ou du cinéma) pour interroger leur contenu, les émotions qu'elles véhiculent et leur charge idéologique. Je cherche ainsi à analyser l'évolution de notre rapport aux images à mesure que les technologies progressent, du Photoshop du début des années 2000 aux développements actuels de l'IA, tout en questionnant la place de l'analogique à l'ère du numérique.

Comment envisagez-vous votre pratique par rapport à la « connaissance » ? Comment en produit-elle pour vous et pour le public ?

Pour moi, la pratique artistique permet de penser avec des formes plutôt qu'avec des mots. Les formes constituent un langage propre : en les manipulant, on amorce une réflexion qui clarifie progressivement le sujet que l'on cherche à cerner.

Bien souvent, mes projets consistent à mesurer l'écart entre le résultat imaginé (qui advient rarement tel quel) et sa réalisation effective. C'est précisément dans cet interstice que surgit une forme nouvelle de connaissance. Il s'agit d'un processus de découverte au fil des étapes du projet : observer la réaction d'une forme, analyser ce qu'un procédé produit, et décider où arrêter le travail lorsque la réflexion franchit un cap .

Quelles sont les questions de recherche centrales dans votre pratique, que remettez-vous en question et comment l'investiguez-vous ?

Je cherche avant tout à savoir s'il est possible de voir plus loin grâce au processus de traduction de médium. Je souhaite explorer si une œuvre demeure strictement liée à son médium d'origine ou si elle peut s'étendre, tant conceptuellement que formellement, vers un autre médium, et par quels moyens y parvenir. Pour moi, un médium englobe à la fois des matériaux analogiques spécifiques et le cheminement d'une pensée qui leur est associé.

Mon bagage technique repose sur la retouche numérique et le photomontage, pratiqués pour mon travail artistique comme en publicité en tant que retoucheur-auteur (post-production senior retoucher) . Ma motivation initiale était de maîtriser la création d'une « vérité photographique » issue de mes réflexions, à la manière d'une peinture philosophique hyperréaliste (ma reference à mes debut fut celle des travaux de Jeff Wall). Plutôt que de recourir au symbolisme ou à l'illustration, j'utilise le montage lui-même pour fixer les pensées qui me traversent au cours du travail. La photographie finale conserve ainsi la trace visuelle de mon intention initiale.

Dans mon travail, je remets en question les informations qui me parviennent, qu'elles soient issues de ma culture artistique ou de mon quotidien de consommateur de médias. Je me penche sur l'histoire que j'ai traversée, qu'il s'agisse d'événements collectifs comme les attentats du 11 septembre 2001 et les guerres d'Irak, ou d'expériences plus individuelles derrière un écran, comme la découverte des premiers outils publics d'IA (tels que *ThisPersonDoesNotExist.com*). En croisant parfois les processus mêmes qui m'ont amené à explorer ces sujets, je cherche à faire émerger de nouveaux récits.

Dans les années 2010, la photographie s'est essoufflée à mesure que l'accès aux smartphones et aux logiciels de retouche s'est généralisé. Aujourd'hui, l'émergence de l'IA m'incite à traduire la photographie (et la méthode de pensée qui l'accompagne) vers d'autres médiums.

J'ai commencé par aborder cette démarche de façon directe : en tentant de me souvenir d'œuvres d'autres artistes pour les transposer dans la céramique, marquant ainsi ma première traduction de la photographie vers la céramique. J'ai interprété mes souvenirs des sculptures de Dan Flavin sous forme de pièces céramiques, et traduit les phrases en néon de Joseph Kosuth en faux-neons faits de céramique émaillée. Mon objectif était de me réapproprier le travail de ces artistes (devenus si reproduits qu'il était difficile d'en avoir un regard neuf) pour mieux les comprendre.

Cette traduction s'est révélée très efficace pour traiter à la fois les formes et les sujets. Ma logique de photomontage reposait déjà sur le fait de prélever des images existantes dans des banques de données pour composer une forme nouvelle tout en analysant le résultat. J'ai réalisé que je pouvais appliquer cette même méthode à d'autres médiums et sujets afin de nourrir ma réflexion critique.

Aujourd'hui, je navigue entre la peinture à l'huile traditionnelle pour aborder l'imagerie générée par IA ou les filtres des réseaux sociaux ; j'utilise la logique du montage cinématographique analogique pour concevoir des peintures ; ou encore, je développe des systèmes de peinture structurelle à partir de cyanotypes. J'injecte différents thèmes au cœur de ces processus inventés pour poursuivre mon travail de réflexion.

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